Kehinde Wiley© Malick MBOW
KEHINDE WILEY
Originaire de Los Angeles et artiste visuel basé à New York, Kehinde Wiley s’est fermement inscrit dans la tradition de la peinture de portrait de l’histoire de l’art. En tant que descendant contemporain d’une longue lignée de portraitistes, parmi lesquels Reynolds, Gainsborough, Titian, Ingres, entre autres, Wiley, engage les signes et la rhétorique visuelle de l’héroïque, puissant, majestueux et sublime dans sa représentation de l’urbain, noir et brun les hommes trouvés à travers le monde.
En appliquant le vocabulaire visuel et les conventions de glorification, d’histoire, de richesse et de prestige au sujet tiré du tissu urbain, les sujets et les références stylistiques de ses peintures sont des inversions juxtaposées les unes des autres, forçant ambiguïté et perplexité provocante à imprégner son imagerie.
Les figures plus grandes que nature de Wiley perturbent et interrompent les tropes du portrait, brouillant souvent les frontières entre les modes de représentation traditionnels et contemporains et la représentation critique de la masculinité et de la physicalité en ce qui concerne la vision des jeunes hommes noirs et bruns.
À l’origine, les portraits de Wiley étaient basés sur des photographies de jeunes hommes trouvés dans les rues de Harlem. Au fur et à mesure que sa pratique grandissait, ses yeux le conduisirent vers une vision internationale, comprenant des modèles trouvés dans des paysages urbains du monde entier – tels que Mumbai, le Sénégal, Dakar et Rio de Janeiro, entre autres – en accumulant un vaste corpus intitulé «The La scène mondiale. »
Les mannequins, vêtus de leurs vêtements de tous les jours et basés pour la plupart sur la notion d’idéaux occidentaux de style, doivent prendre des poses de peintures ou de sculptures représentatives de l’histoire de leur environnement. Cette juxtaposition de «l’ancien» hérité du «nouveau» – qui n’ont souvent aucun héritage visuel à qui parler – offre immédiatement un discours à la fois viscéral et cérébral.
Sans se détourner des histoires sociopolitiques complexes relatives au monde, les peintures et sculptures figuratives de Wiley «citent des sources historiques et placent de jeunes hommes noirs dans le champ du pouvoir». Ses peintures héroïques évoquent un style moderne instillant une manière unique et contemporaine, réveiller les problèmes complexes que beaucoup préféreraient rester muets.
FAQ
Qu’est-ce qui vous a intéressé en premier dans la peinture?
J’ai commencé à étudier l’art à Los Angeles quand j’étais petit. Je suis allé à l’école d’art à l’âge de 11 ans et dans de grands musées du sud de la Californie. J’ai grandi dans le centre-sud de Los Angeles à la fin des années 80 et je faisais partie intégrante de l’environnement animé par certains des éléments déterminants du hip-hop: la violence, les comportements antisociaux et les rues en feu. J’ai eu de la chance parce que ma mère était très concentrée sur le fait de me sortir de la casserole avec mon frère jumeau et d’autres frères et sœurs. Le week-end, j’allais à des cours d’art au conservatoire. Après l’école, nous étions en lock-out. C’était quelque chose que je détestais, évidemment, mais à la fin c’était une bouée de sauvetage. À l’école d’art, j’aimais juste pouvoir faire en sorte que les choses ressemblent à d’autres choses. Cela m’a fait sentir important. À l’époque, il s’agissait de fruits et de pommes de base, ainsi que de compréhension de la lumière et des ombres. De là, j’ai fait le corps et beaucoup d’auto-portrait. Une grande partie de ce que je fais maintenant est une sorte d’autoportrait. En tant qu’étudiant à l’Art Institute de San Francisco, je me suis vraiment concentré sur les aspects techniques de la peinture et sur le fait d’être un peintre de grand talent. Et puis, à Yale, les arguments relatifs à l’identité, au genre et à la sexualité, à la peinture en tant qu’acte politique, aux questions de postmodernité, etc. sont devenus beaucoup plus importants.
Comment choisissez-vous les pays pour faire partie de la scène mondiale?
La scène mondiale est composée de ce que je crois être des pays en discussion au 21ème siècle. Plusieurs des raisons pour lesquelles j’ai choisi certains sites sont liées à un certain degré de curiosité, mais également à leur importance politique plus globale, mondiale, stratégiquement pour l’Amérique et la communauté internationale dans son ensemble. L’une des raisons pour lesquelles j’ai choisi le Brésil, le Nigeria, l’Inde et la Chine est que ce sont tous les points d’anxiété et de curiosité et de production qui se produisent dans le monde et qui changent notre façon de voir l’empire. Alors que je voyageais, j’ai commencé à remarquer que la façon dont beaucoup de gens dans d’autres parties du monde interagissent avec la culture américaine passe par l’expression noire américaine. C’est un phénomène intéressant. Et de plus en plus, je veux aborder cette question. Si je trouve des gars complètement inconnus dans les rues d’Amérique, ça ressemble à quoi quand ça se passe en Afrique de l’Ouest, en Inde? Et quand j’ai commencé à faire ça, je devais me poser quelques questions. Est-ce que je vais baser ce projet sur la peinture occidentale? De plus en plus, la réponse était non, car chacun de ces pays était riche en histoire.
En dehors de la scène mondiale, pourquoi peignez-vous principalement des Afro-Américains?
J’ai adoré quand je suis entré dans LACMA quand j’étais enfant et que je voyais le grand barbier de Kerry James Marshall en train de peindre. Mais cela a été mis très fortement en relief lorsque l’on pense à l’absence d’autres images en noir dans ce musée. Il y avait quelque chose d’absolument héroïque et fascinant dans le fait de pouvoir ressentir une certaine relation avec l’institution et le fait que ces personnes me ressemblent à un certain niveau. L’une des raisons pour lesquelles j’ai choisi certaines de ces zones est liée à la façon dont vous fantasmez, que ce soit à propos de votre propre peuple ou de lieux très éloignés, et à quel point il y a la personnalité imaginaire et le look de la société, puis il y a la réalité qui parfois fait marrer, en tant qu’artiste travaillant et voyageant de temps en temps. Être dans le sud de l’Inde, cette culture hip hop américaine noire est omniprésente et le voir en relief sur ces corps bruns en Asie du Sud est quelque chose d’extraordinaire, quelque chose que je voulais descendre sans même comprendre entièrement le contexte culturel. Je pense qu’il est important de vous déstabiliser et je le fais parce que je veux voir des gens qui me ressemblent.
Comment trouvez-vous vos modèles?
Tous mes modèles sont projetés dans les rues de New York et, dans le cas de The World Stage, dans les rues de leurs pays respectifs. J’ai une équipe de photographes avec moi, des exemples de mon travail et généralement une femme séduisante avec moi parce que toute cette interaction a quelque chose d’homo homogène. Moi en tant qu’homme parlant à un autre homme et prédisposant qu’il y a une sorte de beauté échangée ou désirée. Habituellement, dans la rue américaine, il existe ce genre de culture de célébrités où les gens ne sont pas choqués, mais ils ont été retrouvés. « Bien sûr que tu m’as découvert, il est grand temps ». Alors que dans des pays comme le Nigéria ou le Brésil, voire au Sri Lanka, les gens ne savaient pas ce qui se passait. Il a fallu beaucoup plus d’explications, et ils diraient toujours: « Eh bien, pourquoi moi? » En Amérique, c’est « Bien sûr, moi ». Quand street casting, Je dirais que je recherche le comportement et la sensibilité des hommes alpha, mais ce qui en résulte en fin de compte peut parfois être conflictuel. Parfois, une personne très grande en présence et en démarche se trouve dans la même séance photo que quelqu’un de petite taille. Je ne pense pas avoir de formule pour cela, mais c’est en quelque sorte dans le processus que tout se passe.
Qu’est-ce qui inspire généralement un tableau?
Peintures classiques européennes de nobles, de membres de la royauté et d’aristocrates. Mon objectif était de pouvoir peindre de manière illusionniste et de maîtriser les aspects techniques, mais de pouvoir ensuite le fertiliser avec de bonnes idées. J’ai été formé pour peindre le corps en copiant les peintures de l’ancien maître. C’est donc étrangement un retour à la façon dont j’ai gagné mes côtelettes – passer beaucoup de temps dans les musées et regarder la chair blanche. Si vous regardez mes peintures, il y a quelque chose à propos des lèvres, des yeux et des muqueuses. Est-ce seulement à ce sujet? Non, il demande: «Que font ces gars-là? Ils prennent les poses des maîtres coloniaux, les anciens patrons du Vieux Monde. Chaque fois que je fais des séances de photo pour des peintures, je sors une pile de livres, que ce soit quelque chose de la Haute Renaissance, du rococo français tardif ou du 19ème siècle, tout est jeté dans un même fouillis. Je sors la figure de son environnement d’origine et la place dans quelque chose de complètement inventé. La plupart des arrière-plans que je finis par utiliser sont de simples objets décoratifs. Des éléments tels que le papier peint ou l’ornementation architecturale de la façade d’un bâtiment privent d’une certaine manière la peinture de tout sens de lieu ou d’emplacement et se situe strictement dans une zone décorative. Pour les décors de la série World Stage, je cherche des objets de décoration traditionnels, des textiles ou des objets de dévotion de cette culture. et d’une certaine manière, cela prive la peinture de tout sens de lieu ou d’emplacement, et elle se situe strictement dans une zone du décoratif. Pour les décors de la série World Stage, je cherche des objets de décoration traditionnels, des textiles ou des objets de dévotion de cette culture. et d’une certaine manière, cela prive la peinture de tout sens de lieu ou d’emplacement, et elle se situe strictement dans une zone du décoratif. Pour les décors de la série World Stage, je cherche des objets de décoration traditionnels, des textiles ou des objets de dévotion de cette culture.
Pourquoi ce virage vers la peinture des femmes dans votre série Une économie de grâce?
La raison pour laquelle je peins des femmes maintenant est pour pouvoir composer avec les représentations du genre et la manière dont il est présenté de manière historique dans l’art – un moyen d’élargir la conversation. Toute considération du pouvoir masculin dans la peinture inclut naturellement la présence de femmes dans ce dialogue. « An Economy of Grace » est une enquête sur la présence des femmes dans la peinture, mais plus largement, il s’agit d’une enquête sur la négociation du pouvoir dans la fabrication d’images. Pour ce corpus, je me suis inspiré des portraits de société des 18e et 19e siècles. À cette époque, la noblesse avait coutume de commander des vêtements uniques pour le portrait. En travaillant avec une grande maison de couture sur ce projet (Givenchy), nous réorganisons cette tradition pour le 21ème siècle. J’ai toujours été un grand fan du travail de Givenchy et Riccardo Tisci,
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